| BNF Richelieu / Galerie de photographie | ||||||
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construit la république des arts, populaire et démocratique ,conseiller municipal et commissaire aux arts dans la republique de 1870, contre le pouvoir politique réactionnaire de monsieur Thiers !
Courbet, fidèle à ses racines, s’inspire de son terroir natal tout au long de sa vie et tout particulièrement pour ses premières grandes toiles. Celles-ci préfigurent ses manifestes artistiques, Un enterrement à Ornans et L’Atelier du peintre. Les Paysages occupent une place centrale dans l’art de Courbet : deux séries consacrées aux grottes et aux vagues sont rassemblées pour la première fois. Ce thème explore les liens avec la photographie contemporaine – avec Le Gray, Le Secq et Giroux notamment.
La tentation moderne :
Durant les années 1860, Courbet est au faîte de sa célébrité et devient une référence pour la génération des jeunes artistes de la nouvelle peinture et des débuts de l’impressionnisme. Leurs œuvres le stimulent en retour, notamment autour du portrait et du sujet moderne.
Le nu, la tradition transgressée:
Courbet peint ses premiers nus féminins vers 1840. La présentation des Baigneuses en 1853 affirme sa fidélité à la tradition et sa volonté d’un renouveau réaliste. Autour de L’Origine du Monde, fameux tableau peint en 1866, l’ensemble des grandes toiles consacrées à ce thème est exceptionnellement réuni.
Le peintre en chasseur mélancolique :
Le thème de la chasse occupe une place particulière, au regard de la peinture d’histoire. L’exposition présente un important ensemble autour des grands formats – L’Hallali du cerf (1866, musée des Beaux-Arts de Besançon), Le Combat de cerfs (1861, musée départemental Gustave Courbet, Ornans).
L’expérience de l’histoire : Courbet et la Commune ;
Courbet entretient des liens complexes avec la politique. Il s’engage dans l’action à l’occasion du siège de Paris et de la Commune où il préside la Fédération des Artistes. Il paye cher cette implication, notamment la destruction de la colonne Vendôme. Emprisonné, malade, il s’exile en Suisse en 1873. Courbet est désormais un artiste « survivant ». Hormis dans l’Autoportrait à Sainte-Pélagie (1861, musée départemental Gustave Courbet, Ornans), le peintre ne traite pas directement ces événements. La série mélancolique de natures mortes, peintes entre 1871 et 1873, exprime tout son désarroi. L’exposition se conclut sur les trois tableaux consacrés aux Truites de la Loue, métaphores du douloureux destin de l’artiste.
Jean-Baptiste Siméon Chardin
naît d'un père menuisier, frabricant de billard. D'abord élève du peintre d'histoire Pierre-Jacques Cazes, il poursuit son apprentissage artistique auprès de Noël Coypel.
En 1724, il rejoint l'Académie de Saint-Luc avant d'être finalement accepté à l'Académie royale l'année suivante. Ses peintures la Raie et le Buffet, gigantesques natures mortes, ont contribué à cette admission.
Ses thèmes picturaux tournent d'abord autour du gibier, puis du simple objet. Dans les années 1730, il évolue vers la réalisation de scènes de genre qui assure sa renommée auprès de la bourgeoisie (la Pourvoyeuse, 1739 ; le Bénédicité, 1740). Après un retour aux natures mortes, sa popularité croît sans cesse.
Logé au Louvre dès 1757, il reçoit plusieurs commandes royales. Les critiques, dont celles émises par Diderot, sont particulièrement élogieuses quant à son travail d'artiste. Malheureusement, sa vue baisse et le contraint à travailler les pastelles. Il peint alors plusieurs portraits et autoportraitsL
Les premiers tableaux à figures de Chardin ont été peints à partir de 1733 au plus tard. Chardin se rend compte qu'il ne pourra pas vendre indéfiniment des natures mortes. Il lui faut devenir maître dans un autre « talent ».
Dans son Abecedario, un contemporain de Chardin, Mariette, rapporte l'anecdote suivante : Chardin faisant remarquer à un de ses amis peintres, Joseph Aved (1702–1766), qu'une somme d'argent même assez faible était toujours bonne à prendre pour un portrait commandé quand l'artiste n'était pas très connu, Aved lui aurait répondu :-« Oui, si un portrait était aussi facile à faire qu'un cervelas. »
L'artiste était mis au défi de peindre autre chose que des natures mortes. Mais ce n'était pas la seule raison de changer de « talent ». Mariette ajoute :
« Ce mot fit impression sur lui et, le prenant moins comme une raillerie que comme une vérité, il fit un retour sur son talent, et plus il l'examina, plus il se persuada qu'il n'en tirerait jamais grand parti. Il craignit, et peut-être avec raison, que, ne peignant
Présenté à Louis XV à Versailles en 1740 par Philibert Orry, Surintendant des Bâtiments du Roi (sorte de Ministre de la Culture) et Contrôleur Général des Finances, Chardin offre deux tableaux au souverain. On peut lire à cette occasion dans le Mercure de France : « Le dimanche 27 novembre 1740, M. Chardin de l'Académie royale de peinture et sculpture, fut présenté au roi par M. le contrôleur général avec deux tableaux que Sa Majesté reçut très favorablement; ces deux morceaux sont déjà connus, ayant été exposés au Salon du Louvre au mois d'août dernier. Nous en avons parlé dans le Mercure d'octobre, sous le titre: "La Mère laborieuse" et "Le Bénédicité"». Ce sera la seule rencontre de Chardin avec Louis XV.
Durant cette période le style de Chardin va évoluer :« En un premier temps,l'artiste peint par larges touches qu'il dispose côte à côte sans les fondre entre elles (…) ; après avoir pendant quelques années, vers 1755-1757, multiplié et miniaturisé les objets qu'il éloigne du spectateur, tenté d'organiser des compositions plus ambitieuses, il accordera une place de plus en plus grande aux reflets, aux transparences, au « fondu » ; de plus en plus ce sera l'effet d'ensemble qui préoccupera l'artiste, une vision synthétique qui fera surgir d'une pénombre mystérieuse objets et fruits, résumés dans leur permanence. » (Pierre Rosenberg, Catalogue de l'Exposition de 1979, p. 296)
Retenons " La Table d'office", dit aussi "Partie de dessert avec pâté, fruits, pot à oille et huilier " (38 x 46 cm, Paris, Musée du Louvre). Chardin propose ici une composition horizontale dans laquelle il multiplie des couleurs et les formes géométriques. Il peint aussi des compositions plus sobres, inscrites dans une figure ovale, avec des fruits, et où l'accent porte sur les reflets, les jeux complexes de la lumière. Par exemple, " Le Bocal d'abricots" (Ovale 57 x 51 cm, Toronto, Art Gallery of Ontario), et "Le Melon entamé " (Ovale 57 x 52 cm, Paris, collection particulière ).
ll faut rappeler enfin " Le bocal d'olives " (7I x 98 cm, Paris, Musée du Louvre) dont Diderot disait qu'il fallait commencer par le copier pour apprendre le métier de peintre.
Cet artiste, doté d’une forte personnalité, fut très lié aux cercles d’humanistes « antiquaires », aux yeux desquels il incarna l’idéal de la Renaissance. En récréant un monde antique, empli de fierté et de gravité, conciliant la narration esthétique et le fait historique, Mantegna, peintre de la Renaissance, devient un peintre d’histoire et rentre dans l’Histoire.
Les ressorts profonds de son art sévère résident dans son admiration pour l’Antiquité classique, son répertoire ornemental et son idéal de vertu, l’imitation scrupuleuse de la nature. Mantegna applique les principes en matière de perspective, énoncés par l’architecte et théoricien Leon Battista Alberti (1404-1472), mais il s’inspire également des leçons de la peinture flamande et de sa réelle fascination pour la sculpture.
Les œuvres de Mantegna, parfois très spectaculaires par leur taille et leurs effets saisissants de perspective, peuvent également être d’une exécution extrêmement raffinée ou d’une inspiration intimiste.
L’exposition se clôture par une évocation de son héritage. Il s’agit de montrer, comment, malgré l’émergence d’une sensibilité plus aimable et sentimentale et le ralliement de nombre de peintres à ce qu’il est convenu d’appeler « la manière moderne » – celle de Raphaël et de Michel-Ange notamment – certains d’entre eux, Corrège en tête, restent fidèles, du moins à leurs débuts, à des types, des motifs mantégnesques et plus durablement à certaines des formidables inventions spatiales ou certains des jeux illusionnistes du vieux maître.
Mantegna se montrera d’une grande fidélité à ces principes développés dès les premières années de son activité, conférant à son oeuvre une harmonie stylistique qui lui est propre. Il exerça avec la même aisance souveraine, la même verve inventive, ses talents sous les formes les plus diverses, expérimentant parfois des techniques nouvelles pour traduire, avec le plus d’acuité possible, ses inventions plastiques.
L’exposition du Louvre , qui donne à voir un nombre d'oeuvres élevé (190 environ), est donc visuellement très variée. Si la part des tableaux est sensiblement plus importante, sont également montrés des dessins, des estampes, des manuscrits, des sculptures et des objets d’art. Étant donné la rareté des oeuvres de cette époque, il est exceptionnel de compter autant de témoignages d’un artiste de cette importance sur le sol français, de surcroît des pièces essentielles, très diverses à la fois dans leur date d’exécution et leur typologie, permettant de ce fait de reconstituer de façon pertinente le parcours de ce génie. Cette exposition monographique, à travers une scénographie conçue par Richard Peduzzi et Cécile Degos, propose de jeter un regard nouveau sur ces chefs-d’oeuvre.
Les oeuvres de Mantegna, parfois très spectaculaires par leur taille et leurs effets saisissants de perspective, peuvent également être d'une exécution extrêmement raffinée ou d'une inspiration intimiste. C'est en effet tout le paradoxe de cet artiste dont l'austérité, l'érudition d'antiquaire parfois un peu appuyée, ne doivent pas cacher une authentique sensibilité, un talent d'observation saisissant, une veine poétique, souvent teintée de mélancolie et parfois d’humour.
Espagne rebelle, catholique et monarchique, rurale et décadente,hors de l'esprit des lumières,déchéance après des années de conquête, financées par l'or du Pérou, pays qui rejette la tutelle de la maison d'Autriche, les Bourbons châtrés et pourris de dévotion confite,des aristocrates cachant leurs turpitudes dans l'alcôve et le confessionnal;cette puissance militaire est brisée,une puissance politique "naine",un empire colonial livré au pillage colonial , des campagnes en friche, le pouvoir entre les mains des calottins suffisants et d'impuissants politiques.
L' Espagne n'est plus qu'un estropié maigre, sans désir, vêtu d'une défroque rapiécée, roussie,sous le masque tordue , Napoléon en envoyant en 1805 ,l'armée et son frère jérome, fut mis en échec par le patriotisme rural d'un pays que l'on croyait endormie !
L' Espagne a des crises convulsives qui la réveille d'un sursaut brutal,
Goya catalyse cette énergie endormie , cet orgueil dormant, sans flamme apparente ! ,et rend à l'Espagne la cruauté ingénue, la présence rauque et triste de la mort partout présente dans la vie : les chevaux,des hommes mal batis, des vieilles édentées, le petit peuple éreinté,torturé, des pantins tragiques ballotés par l'histoire,ce sont des visions rapides et brutales de l'humanité , le dessin hallucinatoire, chancelle et bégaie mais va droit au but , la révolution est au bout du pinceau ! Goya dénonce l'ordre établi,la ligne de front gelée, la civilisation qui s'écroule sur des formes vides , vides de passion et d'avenir; ses tableaux montrent une tension entre le noir de l'humiliation et l'éclair de la révolte, le négatif de l'histoire officielle, c'est tendu ! c'est un cri de peinture ! les entrailles de la peinture !
extremment architecturé et pourtant tellement expressif d'un vide d'avenir ! la vie du dedans se révèle la pénétration d'un éclair dans 
le trou noir d'un oeil humain, un bras tendu,un grouillement dans les ténèbres, Goya est un sorcier qui fait bouillir des herbes et surprend dans la vapeur brûlante, l'esprit du sol ispanique, mauresque !
Tou es tdrame,même un portrait!; ce sont des drames , des ombres apparues,des cauchemards du peuple, sanf, orgueil,colère,rire,vices,volupté,regars brulés,paupières rougies,peau flétries,infantes, reines, putes, femmes d'honneur,décolletés de l'apparence,tout est consummé à condition que le feu du dedans brûle jusqu'au bout de leur vie ; la famille royale est un ramassi d'abrutis par des tares accumulés , des pratiques pieuses, des orgies dissimulées !
Le peintre aime aussi la vie, le peuple, les femmes,dont il peint la volupté et la sensualité charnelle dans une sorte de lyrisme sauvage , bestiale; la passion brute et la vie instinctive provoque des rencontres brusques d'ou jaillit l'éclair:la face tordue des modèles semblent une condensation de l'espace public ; la vie est comme surprise dans sa fragilité !; les yeux, les yeux ! sont des trous d"ombre ouverts sur un avenir agité ; terribles eaux fortes ou s'agitent des vampires , des apparitions,des gnomes,des foetus ailés,et dont les blancs font jaillir des lueurs de grâce puissante de l'humain, une jambe de femme, une main, un sein !
tres de Mayo !
CINOCHE : " Clientes" : Une femme dans la cinquantaine,nathalie Baye,, seule s'entoure le soir pour tromper son ennui d' "escort - boys," film de Josiane balasko ( "gazon maudit " en 1997)
entendu : Jean Marc Rouillan ( Action directe"), condamné à 30 ans de prison, ne renie rien de son passé d'activiste révolutionnaire et assasin: la mort du PDG de Renault n'est qu'un détail !
-Retour en grâce du tsar Nicolas II est reconnu par la cour suprême de Russie comme victime de la révolution bolchevique, fusillé avec la famille Romanov en juillet 1918
CONCERTS JAZZ IN PARIS !!:
- ENRICO PEIRANUNZI TRIO, compagnon de route de Chet baker et lee Koonitz,influence : Bill Evans,a joué avec joey Baron et marc johson : à Paris, au "Duc des Lombards" , métro Chatelet, le 13 octobre à 20h et 22 h pour 25€
- BIRELLI LAGRENE QUARTET : "electric side",le 13 octobre au "New Morning" à Paris,
- JOHN MAYALL and the Blues breakers !! : incontournable du blues anglais depuis 40 ans, copain d'eric Clapton, de peter Green, Mick Taylor, jeff Beck, d'eric Burdon, une institution !!, une academie du blues à lui tout seul, né en 1933 à Manchester, 75 ans! , allez y ! au Bataclan, Paris , salle superbe ! le 15 octobre pour 36€ à
20 h , métro .
- RHODA SCOTT and Quartet : fille de pasteur, grande dame de l'orgue !!, a joué avec count Basie, allez y ! au Sunset , métro Chatelet , Paris, le 12 octobre ,18€ , à 18 et 21 heures, métro Chatelet
- RICHARD GALLIANO QUARTET, avec gonzalo Rubalcaba : le 17 octobre , salle Gaveau , métro ,
- ARCHIE SHEPP: au New Morning, le 12 octobre pour 23 €,
- HERBIE HANCKOCK : le 10 octobre à Paris, salle Pleyel , pour 61 €
PHOTOS A VOIR !! :
- EDWARD WESTON : merveilleuse ballade ! dans l'ouest américain dans les années 30 : la Grande depression : lui , il filme le désert sans commentaire, avec pas grand chose, on nait quelque chose ! fragments d'amériques hors du vacarme new Yorkais !
- HENRI CARTIER BRESSON ET walker Evans : fondation Cartier, Paris 14
A LIRE :
Poussin :
L'enterrement des "cendres de Phocion", tableau de nous révèle une conception janséniste de l'histoire des Anciens ou la gravité des couleurs et la sécheresse de l'histoire tourne en boucle , en résumé la destinée des grans dont la vie est reprise par la nature, comme si le vacarme de l'histoire des hommes , le bruit et la fureur des événements glissaient sur le revers de la destinée des hommes de caractère, profitant de la vieillesse pour se retirer dans la hutte du berger ( Horace, Virgile, Plaute,à
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